Entre bambalinas: Te acercamos el teatro desde sus origenes hasta el teatro moderno de la actualidad
Categoría: Andrea González
24 Mayo 2007
Lo menos artístico del musical…
Yo creo que son los premios, que muchas veces tienen mucho prestigio y ayudan a darse a conocer a obras sencillas, pero otras veces es tan complicado ganarlos que ni ayudan ni perjudican.
Por supuesto que hablamos de los premios estadounidenses Tonny: el acontecimiento del año para los musicales. Tienen bastantes categorías, algunas para las obras originales y otras para los reestrenos. Estos premios ayudan a las obras a introducir la obra por todos los Estados Unidos, y también en todo el mundo, y extienden la vida de muchas obras, pero…no todo va a ser un camino de rosas. Las obras candidatas se tienen que haber estrenado en uno de los 39 teatros del distrito de Broadway en Manhattan el último año. La mayoría de las obras no son premiadas por su ubicación geográfica.
¿De dónde proviene el nombre “Tonny”?
Los premios Tonny se empezaron a conceder en 1947, y el nombre Tony se le da por la actriz y directora Antoniette Perry, que fundó el American Theatre Wing. Esta compañía se encargó de amenizar a los soldados aliados durante la Segunda Guerra Mundial.
He encontrado tres; el musical más premiado fue The producers con quince nominaciones y doce premios. Hal Prince es la persona que más ha conseguido, hasta 21, y el compositor más reconocido, ha sido Stephen Sondheim con ocho Tonys.
Pero los musicales no siempre se representan en teatros…
Pues no, los musicales no siempre se exhiben en teatros… La obra Les Miserables, por ejemplo, se estrenó en París en 1980 en el Palacio de los Deportes de la capital francesa. Después sí que visitó los teatros de medio mundo; desde Broadway, donde ganó ocho de los renombrados Tonos, hasta otros 38 países como España, Japón, Noruega, Brasil, Israel o Sudáfrica.
¡Nuevo record en los musicales!
El actor que más veces ha representado un papel… hasta 4000 veces interpretó el papel de rey Siam de “El rey y yo” Yul Brynner… es como si hubiera estado once años sin parar ningún día…
¿Sabéis que la ópera es el género teatral que más suele aparecer en el cine?
En películas de época, nadie se escapa sin ir a ver una ópera, y si no que se lo digan a Amadeus…
Yen películas de nuestro tiempo, es muy común que el chico lleve ala chica a la ópera para declararse o simplemente para dárselas de interesante, y no sólo eso, sino que argumentos de obras de la ópera se han llevado al cine cientos de veces ¿os dice algo Pretty Woman y la Traviata? Pués sí, la película Pretty Woman es una adaptación de la Traviata, a parte de que en la película vayan los protagonistas vayan a la ópera de San Francisco a ver dicha obra.
La Boheme, la obra más representada del mundo en los últimos diez años
Yde La Boheme dicen los cantantes que es la más cercana a sus vidas, porque se identifican con los personajes, que atraviesan días difíciles en los comienzos de sus carreras. El mismo Puccini padeció las penurias económicas que se muestran en la historia…
¡Vamos con Wagner!
Este genio en un principio no fue muy valorado, y es que su música no era muy entendida. He leído una anécdota que siempre da cierta esperanza para todos los que tengan algún talento… Veréis, en 1839, un joven alemán, poeta y músico, intentaba abrirse camino en Francia. Llegó a París con una carta de recomendación para Meyerbeer. Y este mismo músico le dio otra carta de recomendación para el director de ópera Léon Piller, que se la dio cerrada, lo cual no daba mucha esperanza. La carta decía: "Querido amigo: Deshazte como puedas de este imbécil". Este jovenzuelo,como podrás imaginar, era Richard Wagner. Y para que veas su incomprensión unas palabras de Rossini acerca de sus óperas:“Admito que en esta música hay algunos minutos de mucha belleza, pero separados por cuartos de hora que no hay quien los aguante”.
Montserrat Caballé
Hay algo muy gracioso que le pasó en la Expo de Sevilla del 92… Ya sabéis que está acostumbrada a cantar con voces muy diferentes a la de ella, y si no, acuérdate del mismo año en Barcelona con Freddy Mercury… Pues en el cuarto ensayo de dúos de zarzuela con Montserrat Caballé y un tenor de cuyo nombre no te desvelaré hasta el final, comienzan y el tenor; gallos, maullidos, ruidos, notas áfonas, gruñidos, bramidos, de todo. Cantan tres dúos, en el tercero la inefable Caballé hace una señal al director y dice: "Stop, maestro", se acerca hacia al director y le dice: "Maestro, he cantado con tenores, barítonos, bajos, sopranos, mezzos, contraltos, niños, contratenores, pero nunca me había tocado cantar con un ventrílocuo, lo siento me retiro de la producción" Y se fue. Bueno; el sustituído fue el tenor, que no era otro que José Luis Moreno…
Moliérese encontraba representando la obra El enfermo imaginario, en 1673. Era el 17 de febrero, y unos días antes se había estrenado. Moliére estaba ya enfermo de tuberculosis y durante la representación, el dramaturgo y actor se sintió indispuesto y tuvo una terrible hemorragia que tiñó su traje de amarillo, y así murió.
Juguemos a un juego...
Yo nombro varias citas de Moliére y vosotros me decís cómo las interpretáis. Ahí van:
-La improvisación es la piedra de toque del ingenio
- A quienes me preguntan la razón de mis viajes les contesto que sé bien de qué huyo pero ignoro lo que busco
- Prefiero un vicio tolerante a una virtud obstinada
- La muerte es el remedio de todos los males, pero no debemos echar mano de éste hasta el último momento.
- La hermosura sin gracia es un anzuelo sin cebo
Hasta su epitafio es anecdótico
“Aquí yace Moliére, el rey de los actores. En este momento hace de muerto, y de verdad que lo hace bien”.
Decía el famoso dramaturgo español Calderón. Pero él no fue el único autor que utilizó en el título de una obra la palabra sueño.
La verdad es que hay títulos de dramas muy rebuscados, otros muy simples y otros que, directamente repiten palabras, como la del sueño en cuestión.
Hay un drama que se llama así, “El sueño” y es de August Strindberg, que la escribió en 1901 y que representa también a la vida como un sueño. Y un gran amigo del programa, William Shakespeare también habló del sueño en “El sueño de una noche de verano” alrededor de 1595, esta obra es de todos conocida y se ha representado miles de veces.
Jardiel Poncelas, de la generación del 27 hizo un guiño a ésta titulando su primera comedia “Una noche de primavera sin sueño” Y he encontrado otras dos obras que hablan de sueños de autores españoles; una del Duque de Rivas, en pleno siglo diecinueve “El desengaño de un sueño” y “La tejedora de sueños” del dramaturgo español Antonio Buero Vallejo, que escribe un drama simbolista.
Algunos títulos raros...
A ver qué os parece “Parafernalia de la olla podrida, la misericordia y la muchaconsolación” de Miguel Romero, un autor de la vanguardia teatral antifranquista.
Otrodramaturgo muy especial para los títulos de sus obras es Alfonso Sastre, uno de los mayores exponentes de la llamada Generación del 55. “Prólogo patético”, “El circulito de tiza o Historia de una muñeca abandonada”, o uno tan peculiar que hace referencia a sí mismo, “Alfonso Sastre se suicida”.
Los mejores, sin duda, “Drama titulado A” o “Drama titulado No” oJardiel Poncela, muy ingenioso también en títulos como “Amor se escribe sin hache”, “Usted tiene ojos de mujer fatal”, “Los ladrones somos gente honrada” o, la más conocida, “Cuatro corazones con freno y marcha atrás”
Títulos con amor!!!
Por ejemplo, una obra de José de Cañizares, un dramaturgo del siglo dieciocho que escribió el melodrama “Amor es todo invención”.
Juan de Zabaleta, un poco antes, a mediados del siglo diecisiete escribió “El amor hace hablar a los mudos”. Y también una obra de Marivaux, a finales del siglo dieciocho que se llama “El triunfo del amor”.
La protagonista de esta semana esla voz, en cuanto herramienta principal de cualquier actor a la hora de representar una obra. En una obra de teatro se suele llevar todo muy bien preparado, desde el menor movimiento hasta la más leve emisión de voz.
Pero claro, al actor no sólo le importa la voz con la que haya nacido, su potencia, su tono o su forma.
A regular la respiración!!
Un buen actor tiene que aprender a regular su respiración. Es muy fácil, pero requiere de largos ejercicios. Para controlar la respiración lo fundamental es controlar el aire que entra y el que sale. Hay que ser capaz de introducir la mayor cantidad de aire posible. Algunos dicen que los pulmones son como el fuelle de una gaita, hay que llenarlos al máximo. Luego hay que retener y expulsar el aire a voluntad. Pero para eso hay que reforzar los abdominales altos, que son los que retendrán el aire. ¿Nuncaos habéisfijado en un cantante de ópera cuando respira? ¿a que no se le hinchan la parte alta de los pulmones? Se le hincha la parte superior del abdomen, o la parte baja de los pulmones, si lo preferis.
Por eso en las escuelas de actores se dedica tanto tiempo a la correcta respiración, porque es la mejor forma de utilizar luego la voz.
Te he dicho que pronuncíes!!
Otro asunto de la voz es la correcta dicción y pronunciación, no sólo para que cada frase y palabra suene bien y transmita, sino para que sea cada sílaba y cada letra. Es más, la mala dicción puede crear una confusión tras otra, y en lugar de voz puede salir un ladrido carraspeante si no se controla esa dicción en cada detalle. Stanislavski, en su peculiar manera de enseñar a los actores, les explicaba para que entendieran la importancia de la voz en el teatro escénico, que se imaginaran a un hombre muy afortunado fisicamente y con grandes galas pero mudo, intentando transmitir sus sentimientos… sería muy complicado. Así, trabajaba todo lo que podía los matices de la voz.
Algún secretillo para cuidar la voz:
Hay miles de potingues que se hacen unos y otros para aclarar la voz… milagros aparte, la mezcla más tradicional es la de miel y limón exprimido, se calienta y se bebe haciendo gárgaras. Digo en su contra que tiene un sabor peculiar, pero que hace bastante buen efecto… Otros utilizan huevos y otras mezclas, pero esta es la única que yo he comprobado en un momento serio de afonía y va bastante bien…
El musical que más veces se ha representado...
Es Cats, de Webber. Desde su estreno en 1981 se han hecho 8.949 representaciones en Londres y 7.485 en Nueva York, en Broadway, sin contar las del resto del mundo. En Broadway es el más representado de los espectáculos y en Londres sólo ha sido superado por "La trampa para ratones", que lleva desde los 50 en cartelera.
And the winner is...
El musical más premiado ha sido "Los Productores", que en 2001 se llevó 12 Tonys, que son como los Oscar`s pero para los musicales de Broadway. También ha sido galardonada con los 11 Drama Desk, los premios que abarcan todas las producciones teatrales de Nueva York. El mismo año se llevó once premios de la Crítica de la misma ciudad. En Londres se la premió con cuatro premios distintos al mejor musical.
El más visto
"El fantasma de la ópera", al que acudieron 80 millones de personas de todo el mundo con una recaudación de más de 3.000 millones de dólares. Se ha convertido en la obra creativa que más dinero ha recaudado a nivel mundial.
El color amarillo en el teatro da mala suerte desde...
que Molière murió vestido de amarillo en la representacion del ballet comedia "El enfermo imaginario", cuando en pleno estreno de la obra, el dramaturgo se sintió indispuesto. Poco después una hemorragia, debido a la tuberculosis que sufría, tiñó su traje de rojo. Y para quién quiera saber algo más de Molière acudid a esta página www.ciudadseva.com/
iMucha mierda!
En la época en que las representaciones se celebraban en los patios de vecinos y el medio de locomoción era el caballo o carruaje el éxito de la representación se medía por la cantidad de excrementos que estos animales acumulaban en la zona. De ahí viene el desear mucha mierda.
¿Qué expresiones ponen nerviosos a los actores?
"Víbora" o "el que se arrastra" son expresiones que no gustan nada a los actores ya que lo identifícan con el concepto maligno que se da en la Biblia.
¿Y a las actrices?
En el S.XIX era común entre los empresarios del teatro regalar un ramo de rosas a la actriz a la que se le renovaba el contrato y uno de clavelesa las despedidas. Así que ya sabéis, cudado con lo que os regalan.
¿Obras malditas?
Sí,señores y McBeth es una de ellas, o eso dicen. Muchos son los actores que se niegan a representarla. Al parecer en su primera representación, el dramaturgo tuvo que interpretar el papel pricipal porque el chico que iba a hacerlo murió de modo súbito poco antes del estreno. Teatros incendiados y otras muertes rodean a la obra del bardo.
Nunca se han preguntado por qué los asientos de un teatro tienen la forma que tienen? ¿A qué siempre prefieren un asiento y no otro? ¿A que se mueve en su asiento hasta que logra la postura correcta, y si no la encuentra, lo que más le marca de la noche es el asiento que ha tenido? Pues hoy en “son manías del teatro” les voy a hablar del asiento en el teatro, que desde sus orígenes hasta la actualidad ha cambiado muy muy poco, y por algo será.
Los teatros conocidos de la antigüedad instauraron unas partes y formas que hoy persisten, casi todas. Mantenían una estructura de asientos en hilera que eran una especie de cuña o cunei, como se las llamaba, en el auditorio. En Grecia se colocaban los auditorios en las faldas de las montañas, por lo que los asientos, de piedra, tenían forma de gradas, que eran como las de las plazas de toros de ahora.
Pero claro, el asiento entonces no era más que un trozo de piedra cuadrada, al fin y al cabo, aunque en teatros como el de Epidauro, en Grecia, los asientos de las personalidades políticas contaban con respaldo y apoya brazos. El diseño y comodidad actuales es de agradecer.
Poco a poco la organización de los asientos fue mejorando, y poco a poco podemos hablar de la existencia de butacas. A mediados del siglo diecisiete se estaban construyendo los grandes teatros de la ópera en Italia, y la colocación de las butacas era en forma de herradura y con gran cantidad de palcos. Se creaban así espacios privados para ver las obras, aunque no se vieran muy bien, pero, como se suele decir, las clases altas iban al teatro más bien para ser vistas.
Se le atribuye a Wagner un nuevo cambio en la arquitectura de los auditorios y también, claro, de los asientos. A finales del siglo diecinueve se acabó la construcción del Teatro de Bayreuth en Alemania, y Wagner sustituyó los palcos y plateas por asientos en forma de abanico sobre el suelo en pendiente, dando así una mejor visión del escenario a todos los espectadores. Se volvía, quizás, a la manera griega.
En la actualidad, la búsqueda por el confort y la comodidad, han ido de la mano en las remodelaciones de los patios de butacas de los teatros. Una empresa catalana está especializada en crear los asientos de teatros y auditorios de medio mundo. Unos quinientos cincuenta teatros de ciudades como Massachussets o Dubai, Córdoba o Rótterdam, están equipados con butacas que tienen nombres como Tango, Carmen o Rivoli.
Hola, somos Cris, Andrea y Ohiane.
Hemos creado este blog de teatro para acercaros a este mundo e intentar que lo conozcais desde sus origenes.
Nos gustaría que nos dejaseis todas vuestras sugerencias.
;)
